Esistono due stili classici di pittura associati agli antichi maestri: sfumato e chiaroscuro. Questi due stili sono simili a quelli del formaggio e del gesso. Ma molte persone riescono ancora a confondere queste due tecniche e quali artisti hanno fatto uso di quale di questi stili.

Sfumato e Leonardo da Vinci

Sfumato si riferisce alla sottile gradazione del tono utilizzata per oscurare i bordi nitidi e creare una sinergia tra luci e ombre in un dipinto. Come spiega Ernst Gombrich, uno degli storici dell'arte più famosi del ventesimo secolo, "la sua è la famosa invenzione di Leonardo … il contorno sfocato e i colori sfumati che consentono a una forma di fondersi con un'altra e lasciare sempre qualcosa alla nostra immaginazione".

Leonardo da Vinci usò la tecnica dello sfumato con grande maestria. Nel suo dipinto più famoso, la Gioconda, quegli aspetti enigmatici del suo sorriso sono stati raggiunti proprio con questo metodo, e lo spettatore è lasciato a riempire i dettagli.

Come esattamente Leonardo ha ottenuto l'effetto dello sfumato? Per il dipinto nel suo insieme, ha selezionato una gamma di mezzitoni unificanti, in particolare i blu, i verdi e i colori della terra, che avevano livelli simili di saturazione. Evitando il più luminoso dei colori per i suoi brillanti, che potrebbero spezzare l'unità, i toni medi creano così un sapore sommesso all'immagine. Si dice che Leonardo da Vinci affermi "quando vuoi fare un ritratto, fallo con tempo spento o quando cala la sera ".

Sfumato porta la pittura oltre un livello. Lontano dal punto focale dell'immagine, i toni medi si fondono nell'ombra e il colore si dissipa in oscurità monocromatiche, più o meno come l'effetto di un'immagine fotografica con una gamma focale ridotta. Sfumato fa la scelta ideale quando un ritrattista è imbarazzato dalle rughe.

Chiaroscuro e Rembrandt

In confronto a Leonardo da Vinci, i dipinti di Caravaggio, Correggio e Rembrandt hanno un approccio pesante alla luce e all'ombra. La messa a fuoco del dipinto è illuminata, come in un riflettore, mentre il campo circostante è scuro e cupo: marroni pesanti e bruciati che si fondono al nero. Questo è chiaroscuro, letteralmente "chiaro-scuro", una tecnica che è stata utilizzata con grande efficacia per creare contrasti drammatici. Rembrandt era particolarmente abile in questa tecnica.

L'effetto è stato creato utilizzando smalti successivi di marrone trasparente. Le tonalità marroni rinascimentali erano generalmente realizzate con pigmenti di argilla, come terra di Siena e terra d'ombra. La terra di Siena cruda è un po 'più scura di un ocra gialla. La terra di Siena bruciata ha una tonalità bruno-rossastra. Umber è un'argilla che è naturalmente un marrone giallastro scuro. L'ombra bruciata è di un marrone scuro. Durante il tardo Rinascimento, alcuni artisti del Rinascimento provarono altri marroni come il bitume, che era a base di catrame, o il legno di faggio bruciato (bistrot), ma questi causarono problemi nei dipinti del Vecchio Maestro a causa del residuo che filtrava attraverso la tela.

Puoi creare l'effetto chiaroscuro usando smalti di terra d'ombra bruciata (o terra d'ombra per un dipinto più caldo). Ricorda che per ritoccare le luci in prossimità di zone d'ombra scure, scalda i colori. Aggiungi un po 'di rosso al mix per compensare l'effetto rinfrescante delle tenebre circostanti.

Aggiornato da Lisa Marder.

fonti:

Collins Dictionaries, "Collins English Dictionary", 7th Edition, HarperCollins UK, giugno 2015, UK

EM Gombrich, "The Story of Art", 16a edizione, Phaidon Press, aprile 1995, NY

Philip Ball, "Bright Earth: The Invention of Colour", Vintage Books USA, maggio 2008, NY