Art Myth # 1: hai bisogno del talento per essere un artista

Fatto: alcune persone hanno più di un talento intrinseco, o un'attitudine, per l'arte di altre. Ma preoccuparsi di quanto talento hai o non hai è solo uno spreco di energia.

Tutti possono imparare a padroneggiare le tecniche fondamentali per una buona pittura e tutti hanno la capacità di migliorare la propria creatività. Avere secchioni di "talento" non è garanzia che sarai un buon artista perché ci vuole più della capacità di essere creativi.

Ma hanno detto che "ho talento"

Il vantaggio di credere (o far credere agli altri) che "hai talento" quando inizi è che le cose artistiche ti arrivano facilmente inizialmente. Potresti non doverti sforzare tanto per ottenere un dipinto "buono" e potresti ricevere molti feedback positivi. Ma fare affidamento sul talento ti porterà solo così lontano. Prima o poi raggiungerai un punto in cui il tuo talento non è abbastanza. Cosa poi?

Se hai lavorato allo sviluppo di abilità artistiche - da come funzionano i diversi pennelli a come interagiscono i colori - e sei abituato a perseguire attivamente idee piuttosto che aspettarti che i pensieri creativi arrivino a te, non sei per il capriccio del tuo cosiddetto " talento.'

Hai già l'abitudine di esplorare le possibilità, di investigare nuove idee, di spingere le cose un passo avanti. Sei pronto per il lungo termine.

Il talento non conta se hai desiderio

E se credi di non avere alcun talento artistico? Saltiamo le banalità su tutti coloro che hanno un aspetto creativo in loro e su come ognuno abbia un talento speciale.

Se davvero credessi di non avere alcuna abilità artistica, non avresti il ​​desiderio di dipingere. È quel desiderio, combinato con la perseveranza e l'apprendimento sistematico delle tecniche pittoriche - non solo il talento - che rendono un artista di successo.

Degas è citato dicendo: "Tutti hanno talento a 25 anni. La difficoltà è averlo a 50 anni".

“Ciò che distingue un grande artista da uno debole è innanzitutto la sua sensibilità e tenerezza; secondo, la loro immaginazione e terzo, la loro industria. ”- John Ruskin

Art Myth # 2: la pittura dovrebbe essere facile

Fatto: dice chi? Perché qualcosa che vale la pena fare dovrebbe essere facile?

Esistono diverse tecniche che chiunque può imparare (come l'ombreggiatura, le regole della prospettiva, la teoria del colore, ecc.) Per produrre un dipinto in un tempo relativamente breve. Ma ci vuole un vero sforzo per andare oltre la mediocrità.

I grandi artisti possono farlo sembrare facile, ma quella "facilità" ha, come ogni grande abilità, attraversato anni di duro lavoro e pratica.

Non aspettarti che la pittura sia facile

Se parti con la convinzione che la pittura dovrebbe essere facile, ti stai preparando per la frustrazione e la delusione. Con l'esperienza, alcuni aspetti diventano più facili - ad esempio, sai quale sarà il risultato quando si glassa un colore sopra l'altro - ma ciò non significa che la finitura del dipinto sia semplice.

Incerto? Bene, ecco cosa ha detto Robert Bateman al riguardo: “Una definizione di un capolavoro che ho sentito … quando lo vedi, dovresti sentire che stai vedendo per la prima volta, e dovrebbe sembrare come se fosse fatto senza sforzo. Questo è un metro molto, molto duro. Non direi di aver mai fatto un capolavoro, ma quando sto lottando con ogni quadro - e sono tutti una lotta - sento spesso di non essere vicino a questi due obiettivi."

Bateman dice di "pezzi facili": "Se guardo indietro al lavoro di un anno precedente e vedo molti pezzi facili, sento di essermi deluso".

"È più facile dipingere ai piedi dell'angelo il capolavoro di un altro che scoprire dove vivono gli angeli dentro di te." - David Bayles e Ted Orland in "Arte e paura ".

Art Myth # 3: ogni quadro deve essere perfetto

Fatto: richiedere che ogni singolo dipinto che realizzi sia assolutamente perfetto è un obiettivo non realistico. Non ci riuscirai mai, quindi diventi troppo spaventato anche solo per provarci. Non hai sentito parlare di "imparare dai tuoi errori"?

Invece di puntare alla perfezione, sforzati che ogni quadro ti insegni qualcosa e rischi di confondere le cose provando qualcosa di nuovo solo per vedere cosa succede. Sfida te stesso affrontando nuovi argomenti, approcci o cose che sono "troppo difficili".

Qual è il peggio che può accadere?

Sprechi un po 'di vernice e del tempo. Certo, può essere frustrante quando non ottieni qualcosa che ti piace, ma come dice il cliché, "se all'inizio non ci riesci, prova e riprova."

Se rovini un dipinto, prova a dipingere il "pezzo offensivo". Lascialo durante la notte e attaccalo di nuovo al mattino. Ci sono momenti in cui è meglio ammettere la sconfitta per il momento e metterla da parte per molto più tempo. Ma mai in modo permanente; la maggior parte degli artisti è troppo testarda per questo!

Alla fine, se diventerai abbastanza famoso, i musei saranno così felici di avere qualsiasi lavoro da te che appenderanno dipinti che erano incompiuti o solo studi approssimativi, non solo quelli che avresti considerato finito e buono. Li hai visti - quei dipinti in cui parte della tela è ancora spoglia, tranne forse un disegno a tratteggio che mostra ciò che l'artista avrebbe messo lì.

"Non aver paura della perfezione, non la raggiungerai mai." - Salvador Dali, artista surrealista.

Art Myth # 4: Se non riesci a disegnare, non puoi dipingere

Fatto: un dipinto non è un disegno colorato e un disegno non è un dipinto che non è ancora stato colorato.

La pittura implica una propria serie di abilità. Anche se tu fossi un esperto di disegno, dovresti imparare a dipingere.

• Ad alcuni artisti piace fare disegni dettagliati da usare come riferimento prima di dipingere, ma molti non lo fanno.
• Alcuni artisti fanno disegni direttamente sulla loro tela prima di iniziare a dipingere, ma molti non lo fanno.

Il disegno non è richiesto

Non esiste una regola che dice che devi disegnare prima di dipingere se non vuoi.

Disegnare non è solo un primo passo per realizzare un dipinto. Il disegno è un modo diverso di creare arte. Avere abilità di disegno aiuterà sicuramente con la tua pittura, ma se odi le matite e il carbone, questo non significa che non puoi imparare a dipingere.

Non lasciare mai che la convinzione di "non riuscire nemmeno a tracciare una linea retta" ti impedisca di scoprire il godimento che la pittura può portare.

"La pittura abbraccia tutte le 10 funzioni dell'occhio; vale a dire oscurità, luce, corpo e colore, forma e posizione, distanza e vicinanza, movimento e riposo." - Leonardo Da Vinci.

Art Myth # 5: le piccole tele sono più facili da dipingere rispetto alle grandi tele

Fatto: le diverse dimensioni della tela hanno le proprie sfide. Potrebbe non esserci nemmeno una differenza nel tempo impiegato per finire di dipingere una piccola tela o una grande.

Le miniature sono minuscole, ma certamente non richiedono solo pochi minuti per finire! (E non otterrai mai una miniatura se non hai una mano ferma e un occhio acuto.)

La dimensione è soggettiva

Dipingere in grande o in piccolo dipende non solo dal soggetto - alcuni soggetti richiedono semplicemente una scala particolare - ma anche l'effetto che si desidera creare. Ad esempio, un enorme paesaggio dominerà una stanza in un modo in cui una serie di piccole tele non potrebbe mai.

Se il tuo budget per i materiali artistici è limitato, potresti essere tentato di usare piccole tele perché pensi che richiedano meno vernice. Questa dovrebbe essere la tua unica preoccupazione o dovresti dipingere qualsiasi dimensione tu voglia? Scoprirai che una tela di medie dimensioni ti insegna come dipingere sia i dettagli che le aree di grandi dimensioni mentre usi molta meno vernice di quanto temi.

Se sei preoccupato per il costo dei materiali artistici e scopri che questo stress inibisce la tua pittura, prendi in considerazione l'uso di vernici di qualità per studenti per studiare e bloccare i colori iniziali. Salvare la buona qualità dell'artista per i livelli successivi.

James Whistler produsse numerosi piccoli olii, alcuni piccoli quanto tre per cinque pollici. Un collezionista li ha descritti come "superficialmente, la dimensione della tua mano, ma, artisticamente, grande come un continente".

"Riesci a credere che non sia affatto più facile disegnare una figura alta circa un piede piuttosto che disegnarne una piccola? Al contrario, è molto più difficile." - Van Gogh

La domanda davvero importante che la maggior parte degli artisti ha è se i quadri grandi o piccoli vendono meglio.

Art Myth # 6: più colori usi, meglio è

Fatto: il contrasto e il tono sono più importanti del numero di colori utilizzati. Mescolare molti colori insieme in un dipinto è una ricetta per creare fango e gli artisti odiano i colori fangosi.

È facile riempire la tua scatola di colori con molti colori ed è certamente allettante data la gamma che è disponibile. Ma ogni colore ha la sua "personalità" o caratteristiche e devi sapere esattamente com'è prima di passare a un altro o mescolarlo con un altro. La conoscenza di come si comporta un colore ti dà la libertà di concentrarti su altre cose.

Inizia con la teoria dei colori semplice

Inizia con due colori complementari, come il blu e l'arancione. Usa questi per creare un dipinto e vedere cosa ne pensi. Non è più dinamico di un dipinto che copre l'intero spettro?

Non convinto? Trascorri del tempo guardando i dipinti di Rembrandt, pieni di marroni e gialli terrosi. È difficile trovare qualcuno che sostenga che avrebbe dovuto "ravvivare" i suoi quadri con più colori. Invece, la sua tavolozza limitata aggiunge al mood.

"Il colore influenza direttamente l'anima. Il colore è la tastiera, gli occhi sono i martelli, l'anima è il pianoforte con molte corde. L'artista è la mano che suona, toccando l'uno o l'altro di proposito, per provocare vibrazioni nell'anima." - Kandinsky

"La natura contiene gli elementi, nel colore e nella forma, di tutte le immagini, poiché la tastiera contiene le note di tutta la musica. Ma l'artista è nato per scegliere, scegliere e raggruppare … questi elementi, affinché il risultato possa essere bello ". - Whistler

"Un colorista fa conoscere la sua presenza anche in un semplice disegno a carboncino." - Matisse.