Il movimento nell'arte può riguardare diversi concetti:

(A) Esiste il termine generale "movimento" come nello stile e nella scuola d'arte.

(B) C'è movimento come rappresentato in un dipinto che implica il movimento fisico di un oggetto sovrapponendo istantanee nel tempo. (Ad esempio, utilizzato nel particolare stile dei futuristi e dei vorticisti. Un esempio è il dinamismo di un cane al guinzaglio di Giacomo Balla, ora nella Albright-Knox Art Gallery di Buffalo, New York).

(C) Quindi c'è movimento come parte della composizione.

Portare l'occhio dello spettatore in un viaggio

Il movimento è la creazione di un senso di riflusso e fluisce attraverso un dipinto che lo trasforma da sfondo passivo a un'estensione dinamica della psiche dello spettatore, la creazione di un'inter-reazione che porta lo spettatore su un percorso di scoperta. Il movimento in questo caso è l'opposto di statico, insipido, non emotivo e poco interessante. Questo è ciò che ci interessa quando parliamo di movimento come elemento di composizione nell'arte.

Quando crei movimento in un dipinto, pensa alla coreografia del processo, a ciò che stai rivelando al pubblico, a ciò che viene lasciato all'immaginazione. Un dipinto dovrebbe essere una domanda, non una risposta. Richiamare l'immaginazione del pubblico consente a diversi spettatori di interagire in modi diversi, motivo per cui si consiglia di lasciare sempre qualcosa di non detto in un dipinto, per dare al pubblico la possibilità di un'interazione unica.

Il dipinto dovrebbe rivelarsi lentamente al pubblico, dovrebbe offrire angoli e fessure che portano fuori dal percorso principale. In altre parole, il dipinto dovrebbe essere un viaggio non la destinazione. Un dipinto che offre solo un punto di vista statico non è meglio di uno scatto di vacanza (fornirebbe al fotografo una chiave per i loro ricordi, ma sarebbe semplicemente un'immagine arbitraria per chiunque non fosse coinvolto emotivamente). L'artista dovrebbe incoraggiare lo spettatore ad interagire con la materia, a imparare e crescere. Il dipinto può essere un semplice aneddoto o una storia eroica, ma dovrebbe parlare allo spettatore con la gioia di svelare una storia.

L'artista è un direttore d'orchestra, portando l'occhio dello spettatore attraverso la pittura usando una miriade di tecniche che danno al dipinto una sensazione di movimento, attraverso lo spazio, il tempo o persino l'emozione. Il movimento può essere dato in un dipinto attraverso una forte immagine fondamentale, diciamo lo scorrere di un fiume; dalla luce di un dolce sole della sera, che implica il passare di un giorno; o attraverso l'emozione di un ritratto impreziosito dall'iconico simbolismo circostante, che mostra come la figura è arrivata a quel sentimento. Il movimento può anche essere ottenuto attraverso l'effetto della crescita o del decadimento. Una vitalità che infonde il soggetto e dice allo spettatore, questa è vita, questo è movimento.

Che cosa si può fare? Il primo punto è pensare in termini di composizione generale, da dove desideri che inizi l'occhio dello spettatore (ricorda che in Occidente, lo spettatore di solito inizia nell'angolo in alto a sinistra di un dipinto, poiché ci viene insegnato fin dalla tenera età leggere in quel modo). Da sinistra a destra, dall'alto verso il basso è la norma, ma una composizione forte può attirare l'attenzione del pubblico contro tale condizionamento.

Il movimento può essere indicato dal flusso di oggetti nella pittura, dalla loro disposizione e modello; attraverso l'uso della prospettiva. Il movimento può essere implicito dalla direzione verso cui si affacciano le figure: un dipinto passivo avrebbe una direzione sinergica raggruppata, mentre la casualità nella direzione delle figure darà un selvaggio e una vitalità energetica a un dipinto.

Successivamente l'artista può considerare l'uso del colore (compresi effetti ottici come il blu che si allontana dall'occhio e il rosso che si avvicina ad esso); tratto pennello (la creazione di segni può aumentare il flusso del dipinto attraverso la loro direzione, oltre a dare una velocità al movimento attraverso la variazione delle dimensioni del tratto pennello); il modello di luce e ombra; e tono (che è importante per la visione periferica e quindi può distogliere lo sguardo da un soggetto centrale). Considera di rinforzare le principali direzioni di movimento facendo eco (ad esempio, facendo fluire le nuvole nel cielo allo stesso modo delle onde sul mare) e pedalando (riportando l'occhio al punto di partenza, in modo che il viaggio possa ricominciare da capo).

Guardando il dipinto di Vincent van Gogh sopra, il più evidente senso di movimento è nelle onde, la fila dopo la fila di interruttori (contrassegnati come n. 1). Poi c'è la banca di nuvole (n. 2), che sembra soffiare verso destra, creata sia dalla forma delle nuvole che dalla direzione dei segni del pennello. La forma delle nuvole fa eco alla forma dell'onda. In primo piano le nuvole hanno proiettato un'ombra (n. 3), dando la sensazione di cambiare la luce nella scena. Le posture, le posizioni e le dimensioni relative delle varie figure (n. 4) danno la sensazione che alcuni siano più lontani da noi, camminando verso la barca. Guarda come la figura a destra (n. 5) sembra piegata, avanzando nel vento!

Tutte le piccole cose si sommano, lavorando l'una con l'altra per creare l'atmosfera generale e il senso delle cose che accadono e si muovono. Guarda come la bandiera rossa nella parte superiore dell'albero si sta agitando nel vento (# 6). Il suo colore si ripete in alcuni altri punti del dipinto (a partire dalla maglietta che indossa la figura della barca), lavorando su quell'altro elemento di composizione, l'unità. Anche il colore rosso sporge in avanti dal dipinto contro il cielo blu opaco, ci dice che la barca è al centro dell'attenzione e che le figure sulla spiaggia stanno giocando la loro parte nel suo varo. Fai una pausa per un minuto per pensare a quante informazioni leggi in quel piccolo colpo di vernice: direzione del vento, forza del vento, che è ventoso (o la bandiera sarebbe inerte).

Ricorda sempre che il movimento nella composizione è un'espressione del viaggio che il pubblico intraprende con te, l'artista, come guida. Anche il più piccolo componente può dare un movimento di pittura.