L'economia del fumetto nordamericano

COSA DEVO ACCADERE PER CREARE UN'ECONOMIA DI FUMETTI COMPATIBILI PER I CREATORI N. AMERICANI?

Quando abbiamo iniziato a esaminare lo stato disfunzionale dei creatori di fumetti occidentali che lavorano in uno stile influenzato dai manga in Making a Living in Manga Part 1, abbiamo delineato 9 motivi per cui l'ecosistema che produce manga in Nord America è rotto. Nella parte 2, abbiamo esaminato gli effetti dell'etichetta manga "Original English Language (OEL). Nella parte 3, abbiamo parlato del divario formativo e di come la scuola d'arte prepara / non prepara aspiranti artisti alla carriera nel fumetto. a Living in Manga Part 4, abbiamo dato uno sguardo più da vicino al lato editoriale della creazione di manga, tra cui l'autopubblicazione e il crowdsourcing tramite Kickstarter, la preferenza degli editori per adattamenti di romanzi a lavoro / grafica / romanzo rispetto al lavoro originale e le prospettive di lavoro per artisti non giapponesi che vanno in Giappone per disegnare fumetti nella madrepatria dei manga.

Tutto ciò ci porta alla Parte 5, la penultima parte della nostra serie Making a Living in Manga, dove cerchiamo di spiegare perché non possiamo semplicemente far funzionare ciò che funziona in Giappone in Nord America e provare a trovare alcune idee su come prendere questa canzone triste e renderla migliore. Iniziamo con cinque idee, quindi nella Parte 6 (!) Chiudiamo le cose con altre cinque cose da considerare.

COME FARE UNA VITA A MANGA? MOSTRARMI IL DENARO

Come il creatore canadese di fumetti Svetlana Chmakova ha menzionato prima, ci dovrebbe essere spazio per i creatori nordamericani ispirati al manga per raccontare storie unicamente nordamericane. Queste storie vengono create, ma così poche sono pubblicate da editori di fumetti / graphic novel tradizionali e ancor meno vengono acquistate dai lettori di manga / fumetti, rispetto alla quantità di artisti che vogliono realizzare questo tipo di fumetti. Cosa ci vorrebbe per offrire opportunità (a pagamento) praticabili ai molti creatori di fumetti ispirati ai manga che oggi stanno cercando di lasciare il segno nel mondo degli affari?

Diversi artisti hanno suggerito che gli editori dovrebbero correre più possibilità sulle storie originali e pagare di più (tassi di pagina e royalties più alti) ai creatori di fumetti in modo che possano guadagnare un salario decente. Ma se tu fossi un editore, cercando di rimanere a galla in un settore che sta attraversando enormi cambiamenti grazie alla crescita dell'editoria digitale, pagheresti artisti non provati per creare opere che potrebbero o non potrebbero essere vendute e che potrebbero essere acquistate da un pubblico che ha già dimostrato di essere riluttante ad acquistare storie originali?

Certo, gli editori hanno tirato i dadi su giochi a distanza che hanno ripagato in passato, ma ricorda, ci sono ancora molti cassonetti e scaffali vuoti nei negozi di fumetti pieni di copie polverose di " manga in lingua inglese originale" che a malapena essere dato via. Le opere originali che sembrano fare bene hanno scelto di non vendersi come " manga originale", ma solo come "fumetti". Molti hanno imparato nel modo più duro che i lettori di manga non avrebbero semplicemente buttato soldi nelle storie in stile " manga ". Non è stato un problema dato che a questi libri non è stato dato un colpo giusto perché sono stati liquidati come manga "falsi" - molti di loro non erano così buoni.

E non è solo una questione di cambio di etichetta - questo significa che gli artisti che danno uno sguardo duro al loro lavoro e si chiedono, 'potrebbe qualsiasi lettore di fumetti, (ad esempio qualcuno che di solito non legge manga giapponese) "ottenere" questa storia? " Il tuo lettore di fumetti nordamericano medio probabilmente non capirà perché il tuo personaggio ha una grande goccia di sudore vicino al viso quando è ansioso o potrebbe non essere collegato a una storia d'amore ambientata in una scuola superiore giapponese. (Voglio dire davvero. Se non sei andato a scuola in Giappone, perché stai creando una storia d'amore in un liceo giapponese?)

Per quanto tu possa desiderare diversamente, il mercato del fumetto nordamericano è molto diverso da quello giapponese, quindi non puoi andare da quello che funziona in Giappone e sperare che volerà qui. Le cose non sono così semplici.

Per i creatori, è terribilmente facile puntare il dito sugli editori per non aver raccolto altri fumetti ispirati ai manga per la pubblicazione. Ma l'onere e la colpa dell'attuale situazione non dovrebbero essere posti esclusivamente ai piedi degli editori. Come ho detto, abbiamo bisogno di più cose contemporaneamente:

Creatori che possono costantemente creare contenuti originali di alta qualità
Editori che sono disposti a pubblicare e promuovere contenuti originali
Rivenditori che sono disposti a immagazzinare e vendere questi libri
Lettori che sono disposti a supportare e pagare per il contenuto originale.

Nota l'ultima parte: PAGARE per il contenuto originale. Certo, ci sono molti fumetti che puoi leggere gratuitamente là fuori, e probabilmente più fumetti che puoi scaricare in un giorno di quanti tu possa mai leggere in una vita. Solo perché puoi leggerlo gratuitamente non significa che non valga la pena pagare. Tuttavia, devo anche aggiungere che i creatori devono intensificare e creare contenuti di fumetti di alta qualità che vale la pena acquistare. Ma ci entrerò tra poco.

L'enigma del "tutto il contenuto deve essere gratuito" non è solo un problema dell'industria dei fumetti. Un recente saggio scritto dalla stagista di musica alla National Public Radio che ha confessato di avere decine di migliaia di canzoni sul suo computer, ma che ha acquistato solo 15 CD nella sua vita, ha suscitato molto interesse. Ciò è stato amplificato solo quando un musicista diventato professore di economia ha risposto con una confutazione pubblicata su The Trichordist su come l'industria musicale è cambiata a causa di questa mentalità dei consumatori, e non in meglio.

Dimentica l'idea romantica sull'artista affamato, che attinge semplicemente per l'amore della creazione e la condivisione di ciò che creano con chiunque voglia farlo gratuitamente. Sul serio. Fanculo. Gli artisti meritano di essere pagati per quello che fanno, e questo include artisti, scrittori, editori, grafici e tutti gli altri che creano fumetti che ti piacciono leggere. Sì, è divertente disegnare, ma i creatori di fumetti hanno pagamenti in auto, prestiti universitari, affitto da pagare e spesso anche bambini da sfamare. Non penso che molti creatori di fumetti si aspettino di essere sporchi e ricchi, ma è troppo chiedere di poter fare una carriera con i fumetti?

FUMETTI IN GIAPPONE VS. AMERICA DEL NORD: CRUNCH I NUMERI

Com'è possibile che creatori di manga come Eiichiro Oda (One Piece) e Rumiko Takahashi (Ranma ½) spesso fanno la lista dei migliori contribuenti del Giappone (il che significa che fanno un po 'di soldi)? Beh, forse perché il business dell'editoria giapponese di manga si esaurisce e vende molti più manga rispetto ai suoi omologhi nordamericani.

Detto semplicemente, il manga viene letto da una proporzione più elevata della popolazione giapponese su base giornaliera. In Giappone, bambini, ragazzi, adulti e persino anziani leggono manga. I giapponesi sono praticamente consumatori di fumetti dalla culla alla tomba.

Confronta e contrapponi questo con il Nord America, dove la stragrande maggioranza degli americani non ricorda l'ultima volta che sono entrati in un negozio di fumetti, tanto meno leggono fumetti che non erano sul loro giornale domenicale.

Volete alcuni numeri per sostenere questo? Ne ho un po 'per te.

Vendite di graphic novel nel 2011

Nord America (non solo manga): $ 680 milioni *
Giappone: ¥ 271, 71 miliardi di yen / $ 3, 533 miliardi ** (sì, miliardi con una "b")

Il romanzo grafico a volume singolo più venduto nel 2011:

Nord America: Dork Diaries: Tales from a Not-So-Popular Party Girl (Aladdin) di Rachel Renee Russell - 157.786 copie vendute *
Giappone: One Piece Volume 61 di Eiichiro Oda (Shueisha) - 3, 3 milioni di copie vendute **

L'elenco dei bestseller nordamericani riflette i numeri di Bookscan, che cattura principalmente le vendite nelle librerie online e offline e non molti negozi di fumetti. Detto questo, devi andare abbastanza in fondo alla lista di Bookscan per arrivare al romanzo grafico del fumetto più venduto, The Walking Dead Compendium Volume 1 di Robert Kirkman, Charlie Adlard, Cliff Rathburn e Tony Moore (Image Comics), che ha venduto 35.365 copie.

Le serie di graphic novel più vendute nel 2011:

Nord America: The Walking Dead ha venduto 359.000 copie, generando vendite per 8, 7 milioni di dollari.
Giappone: One Piece Quasi 38 milioni di copie (37.996.373 copie)

Sì. One Piece ha venduto The Walking Dead con un rapporto di quasi 100: 1. Va bene, ammetto che nel 2011 c'erano 61 volumi di One Piece disponibili a circa $ 5 ciascuno (in Giappone), oltre a vari libri d'arte e libri di accompagnamento, rispetto a dire, 13 volumi di The Walking Dead + il compendio cartonato da $ 60 e vari altre edizioni. Ma anche quando si prendono in considerazione questi fattori, la differenza di scala è sconcertante.

Il manga "originale" più venduto nel 2011 *:

Twilight: The Graphic Novel Volume 2 di Stephenie Meyer e Young Kim (Yen Press) - 34.297 copie vendute
Scott Pilgrim Volume 1 di Bryan Lee O'Malley (Oni Press) - 30.885 copie vendute
Maximum Ride Volume 4 di James Patterson e NaRae Lee (Yen Press) - 23.349 copie vendute

Vuoi solo confrontare le vendite di manga in Giappone e Nord America? Possiamo farlo anche noi. Ho confrontato il Bookscan di maggio 2012 e le relazioni sulle vendite Oricon di giugno 2011 per le vendite di Naruto Volume 56 di Masashi Kishimoto (Shueisha / VIZ Media), che acquisisce le vendite di questo volume quando è stato messo in vendita in Nord America e Giappone. Alla fine di maggio 2012, le vendite dall'inizio dell'anno dell'edizione VIZ Media di Naruto Volume 56 (che ha colpito gli scaffali di N. American l'8 maggio 2012) sono state 6.348 copie. In Giappone, l'edizione Shueisha di Naruto Volume 56 ha venduto 218.000 copie in UNA SETTIMANA.

Confronta e confronta questo con i numeri forniti da Jim Zubkavich (aka Jim Zub), scrittore di Skullkickers, un fumetto di proprietà di Toronto, pubblicato da Image Comics. Jim non è solo uno scrittore, è anche un insegnante e il responsabile della produzione di Udon Entertainment. Quindi non sta solo gettando i numeri dalla cima della sua testa.

Jim Zub ha lavorato nel settore dei fumetti per un po ', quindi quando dice che le vendite di 5.000 numeri per un fumetto mensile di $ 2, 99 sono molto buone, tendo a crederci. Quando dice che da quel prezzo di copertina di $ 2, 99, meno del 2% è rimasto per pagare le spese dell'editore e dell'artista / scrittore, sono inorridito dalla realtà finanziaria che sta presentando.

I numeri di Jim mi fanno chiedersi perché qualcuno si preoccupi di disegnare fumetti in Nord America, se non per avere una detrazione fiscale sulla perdita. Certo, ci sono fumetti indipendenti di proprietà del creatore che vendono di più e molti che vendono molto meno. Ma caspita, se questa è la media … (inserisci qui la sweatdrop).

Questi numeri sono offerti a titolo oneroso per fornire un piccolo contesto. Certo, è facile dire "Funziona in Giappone, perché non possiamo farlo in Nord America?" Bene, forse sarebbe se avessimo 10 volte più persone che leggono e comprano fumetti qui. Le differenze di scala e di pratiche commerciali da tutte le fasi dell'ecosistema di produzione di fumetti, dalla formazione di giovani artisti a un sistema che promuove il lavoro originale di proprietà dei creatori, la stampa dei costi, la distribuzione e il prezzo nelle librerie del Giappone rendono difficile, se non talvolta impossibile replicare in Nord America.

Non è solo una questione di cercare di vendere più fumetti di supereroi, o più manga o più graphic novel indipendenti - è una questione di provare a vendere più fumetti, punto. È possibile? Se guardiamo al Giappone e all'Europa, la risposta è sì. Ma può essere replicato in Nord America? Forse, ma solo se l'industria dei fumetti qui fa uno sforzo maggiore per raggiungere nuovi lettori, invece di rivolgersi allo stesso piccolo sottogruppo di clienti abituali di fumetti.

Il mercato dei graphic novel ha spazio per crescere nel Nord America? Sì, e in un modo può farlo crescere attingendo ai lettori che sono cresciuti leggendo, amando e imparando ad amare disegnare dal manga e guardare anime.

ABBIAMO PARLA DEL PROBLEMA. ORA, DOVE SONO LE SOLUZIONI?

Un giorno, forse un giorno molto presto, vedremo questa generazione emergente di creatori di fumetti che amano i manga creare il proprio stile distinto, nuovo e innovativo di narrazione, creare diversi tipi di storie e possibilmente raggiungere nuovi lettori. Ma anche se l'industria del fumetto / editoriale nordamericana cambierà domani, è già troppo tardi? Abbiamo già perso una generazione di creatori di fumetti cresciuti con sogni manga, che hanno rinunciato alle loro aspirazioni comiche a favore di altre carriere più redditizie nei film, nello sviluppo di videogiochi o in altri campi che valorizzano (e pagano) il loro abilità?

Certo, anche nei migliori scenari possibili, non tutti quelli che prendono una penna si guadagneranno da vivere disegnando fumetti, proprio come il tuo giocatore di basket delle scuole superiori medio non è garantito un posto nell'NBA semplicemente perché ha un talento moderato al sport. Tuttavia, sarebbe bello vedere le probabilità migliorare solo un po 'da "quasi impossibile" a "impegnativo, ma fattibile".

Cosa deve succedere per creare una vivace economia dei fumetti in grado di favorire i giovani creatori e pagare loro uno stipendio vivente per fare ciò che amano: creare fumetti? Webcomics è la risposta? O l'auto-pubblicazione tramite Kickstarter è la strada da percorrere qui? O ci sono altre cose che devono accadere per creare un'economia dei fumetti diversa e praticabile per i creatori di fumetti originali in Nord America?

Non andremo da nessuna parte se ci limitiamo a sederci intorno e puntare le dita verso feste diverse da noi stessi e dire "Se solo (artisti / editori / acquirenti di fumetti) cambierebbe …". Ognuno ha un ruolo da svolgere nel risolvere questa economia del fumetto rotta.

Dove andiamo da qui? Per i principianti, ecco 5 modi (seguiti da altre 5 idee nella Parte 6) che potrebbero rendere il vivere in manga un po 'più fattibile in Nord America, con commenti e suggerimenti da Twitterverse, da professionisti dell'editoria, artisti, esperti e i fan.

1. L'EDITORIA DIGITALE APRIRÀ NUOVE PORTE, QUALCUNO

Se c'è una cosa che sta davvero cambiando il settore dell'editoria come lo conosciamo, è l'editoria digitale. Con l'arrivo di tablet a colori ad alta risoluzione come l'iPad, il tablet Microsoft Surface e lettori di e-book relativamente economici come Kindle e Nook, abbiamo visto esplodere l'interesse per la pubblicazione di fumetti online negli ultimi due anni.

A far fronte a questa domanda ci sono negozi di fumetti online come:

Comixology
JManga.com
VIZManga.com, da VIZ Media
eManga della Digital Manga Publishing
Dark Horse Digital di Dark Horse Comics
Top Shelf 2.0, da Top Shelf Productions
Vetrine iPad e iPhone di Yen Press
Vetrina dell'iPad di Kodansha Comic
Amimaru Manga, un editore di manga basato su app di Facebook

Ci sono sempre più titoli di manga disponibili per gli e-reader Amazon Kindle e Barnes e Noble Nook ogni giorno, inclusi molti di autori emergenti che si autopubblicano direttamente su queste piattaforme. Alcuni piccoli editori come Yaoi Press e ComicLOUD offrono i loro titoli esclusivamente come pubblicazioni digitali.

Mentre i fumetti non sono il loro obiettivo principale, diversi siti Web offrono ora una manciata di Blio, Wowio, Apple iBooks, DriveThru Comics e Graphicly.

Esistono anche diversi siti per i webcomic indipendenti, con più spuntini ogni giorno come:

Manga Reborn
Fumetti Bento
SmackJeeves
Girlamatic.com
WirePop
GEN Manga
La sezione dei fumetti di Crunchyroll
Gaijin (spagnolo)

Tra gli sforzi dei principali editori, start-up di editoria online e artisti indipendenti, ora ci sono più fumetti, manga e graphic novel disponibili in formato digitale che mai. Soprattutto, l'editoria digitale ha reso questi contenuti disponibili per più lettori che mai, compresi i lettori che normalmente non entrano in un negozio di fumetti, per non parlare dei lettori di altri paesi.

Che cosa significherà questo per gli aspiranti creatori di manga che attualmente stanno ottenendo la spalla fredda dagli editori di fumetti tradizionali? Forse un'opportunità per raggiungere nuovi lettori che di solito non vanno nei negozi di fumetti o nelle convention di fumetti. Certo, questi lettori devono trovare questi siti Web disparati o scaricare queste app, quindi navigare attraverso vari siti che possono o meno offrire titoli che funzionano con il tuo tablet, telefono o dispositivo e-reader … è un gran casino e non lo è perfetto, ma è così che vanno le cose adesso. C'è molta azione, ma anche un sacco di margini di miglioramento.

Ma questa ondata di editoria digitale ha già creato hit o cambi di gioco? Finora, non proprio. Ma se i crescenti accaparramenti dei cosplayer di Homestuck (un webcomic interattivo fatto per il digitale) sui fumetti sono un indizio, possiamo essere sulla cuspide di qualcosa di molto grande, molto presto.

"Penso davvero che un'industria del fumetto sostenibile / diversificata possa essere costruita qui, il mio istinto è che il digitale sarà la chiave (impostato correttamente)".

- Sveltlana Chmakova (@svetlania), creatrice di fumetti,, Nightschool e

"Non lo vedo morire di STAMPA. I grandi accaparrati di tutta la stampa sono FINITI. Piccola stampa + digitale = futuro."

- DC McQueen (@dianamcqueen), editore di Girlamatic.com

"I flussi di entrate alternative che stanno emergendo (per tutti i media) e lo stato caotico dei vecchi media, e forse la cosa più importante, la proporzione inversa tra influenza dei fumetti e rendimento monetario. E penso che le cose cambieranno."

- Heidi MacDonald (@Comixace), editore, scrittore di Comics Beat

2. EDITORI: PRENDI UNA POSIZIONE SU OPERE PIÙ ORIGINALI DI NUOVI CREATORI

Una delle principali differenze tra i fumetti nordamericani e giapponesi è che il mercato americano è fortemente orientato verso storie basate sullo stesso pantheon di supereroi originariamente creato negli anni '40 -'60, mentre in Giappone ci sono molte più storie e personaggi di proprietà dei creatori. Il successo di The Walking Dead di Robert Kirkman ha dimostrato che i lettori sono disposti a leggere storie originali che non hanno nulla a che fare con Superman o Spider-man. Allora perché non è questa la norma qui? Perché non lasciare che più creatori creino storie e personaggi originali come fanno in Giappone?

La semplice risposta? Perché Marvel e DC fanno più soldi quando assumono i creatori per fare lavoro a noleggio sulla base di personaggi di loro proprietà, invece di occuparsi di confusione con opere di proprietà del creatore come Watchmen, la graphic novel di grande successo di Alan Moore e Dave Gibbons. Non riesco davvero a spiegare tutto qui, ma fidati di me, è un gran casino. Dai un'occhiata a questo articolo di Noah Berlatsky su Slate che spiega le controversie per il set di non-fumetti.

Creando infinite variazioni sulle storie dei personaggi che possiedono, Marvel e DC mantengono la loro proprietà intellettuale interamente di proprietà dei lettori per decenni. Questo ha un grande senso degli affari per loro, ma per me, questa sembra essere una ricetta per l'atrofia creativa. Quante storie di Batman devono essere raccontate nel corso di 75 anni prima che il pozzo creativo sia asciutto? E perché più reimmaginazioni della stessa storia invece di incoraggiare lo sviluppo di nuove storie e personaggi che potrebbero rivendicare i loro punti nel pantheon della cultura pop?

Se l'industria della musica fosse gestita come l'industria americana dei fumetti, band come i Radiohead avrebbero prodotto infinite cover dei Beatles. Se il business del fumetto giapponese fosse gestito come in Nord America, Masashi Kishimoto ed Eiichiro Oda avrebbero disegnato i fumetti di Ultra Man e Kamen Rider come lavoro da assumere invece che avere l'opportunità di creare (e trarre profitto) dalle proprie creazioni originali, Naruto e One Piece.

So che capitalizzare sulla proprietà intellettuale consolidata è dove si trovano i soldi nel comix biz degli Stati Uniti e che cogliere l'occasione per un autore e una storia non testati è un rischio. È una scommessa cercare il nuovo, ma lo stato attuale è come guardare un serpente che si mangia la coda mentre cerca di dire a tutti che sta rigurgitando qualcosa di nuovo.

"Non credo che le cose create dai proprietari siano apparentemente redditizie a lungo termine. Siamo un po 'doloranti per (editori), credo."

- Fred Gallagher (@fredrin), creatore di Megatokyo

"Sembra che l'interesse per il manga in lingua inglese originale (OEL) sia diminuito negli Stati Uniti, mentre qui" Spanish Manga "sta migliorando, anche avendo un mercato più piccolo. Gli artisti statunitensi dovrebbero unire + convincere un grande editore che vale la pena riprovare Questo è quello che abbiamo fatto a Gaijin e (sta) andando bene! "

"Vorrei che l'industria potesse dimenticare gli errori del passato e far risalire OEL. La qualità è lì, lo so. Ma forse hanno bisogno di un buon editore o" capitano ", un gruppo di artisti fantastici e tonnellate di supporto per convincere aziende e lettori:)"

- Kôsen (@kosen_), i creatori di fumetti Aurora García Tejado e Diana Fernández Dévora. Daemonium (TokyoPop) e Saihôshi, The Guardian (Yaoi Press)

"La linea di TokyoPop ha avuto una supervisione editoriale scarsa / terribile e ha tirato fuori libri di bassa qualità, quindi non c'è davvero alcuna opportunità di pagamento per gli aspiranti creatori di manga. Penso che un editore (che avrebbe) più onestamente dedicato ad esso potesse farlo. "

- Zoey Hogan (@caporushes), artista e illustratore di fumetti

"Parlare di un'industria manga americana sembra concentrarsi troppo sulla superficie, IMHO. I fumettisti devono essere pagati, figliolo."

- Gabby Schulz (@mrfaulty), Creatore di mostri (Secret Acres) e creatore di webcomics, Gabby's Playhouse

3. SCUOLE / INSEGNANTI D'ARTE: INSEGNA I GIOVANI CREATORI DI FUMETTI COME SUCCEDERE, OLTRE L'APPRENDIMENTO COME DISEGNARE

Per la natura di ciò che sono e di ciò che i loro studenti si aspettano da loro, la maggior parte delle scuole d'arte si concentra sull'insegnamento dell'arte: come disegnare, come dipingere, come progettare layout di pagina, loghi, tipo di wrangle e pixel push. Ma per quanto riguarda ciò che ho visto, sentito e vissuto per me, la maggior parte delle scuole d'arte non trascorre abbastanza tempo a insegnare agli aspiranti artisti ciò di cui hanno davvero bisogno per avere successo: come gestire la propria attività e ciò che serve per ottenere un lavoro e continua a lavorare come artista professionista.

Probabilmente hai sentito molto il termine "artista affamato". Probabilmente hai sentito molto dai tuoi genitori dopo aver detto loro che vuoi andare a scuola d'arte o specializzarti in arte al college. Certo, una laurea in arte non ti garantisce uno stipendio grasso o uno stile di vita lussuoso - ma non significa anche che il disegno ti condurrà a una dieta di ramen istantaneo e vita in un appartamento squallido, grande quanto una scatola di fiammiferi.

Ecco cosa ti salverà dall'adempiere a questa profezia della povertà: riconoscere che le tue abilità di disegno e narrazione sono preziose e prendersi il tempo per imparare le abilità di cui hai davvero bisogno per guadagnarti da vivere nel manga: come scrivere, come vendere te stesso e il tuo lavoro e come gestire le tue finanze, affari legali e affari.

Se sei un artista, perché devi conoscere questioni commerciali e legali? Perché tutto il talento artistico del mondo non può salvarti dalla firma di un contratto di merda se non riesci a vedere che si tratta di un contratto di merda.

Perché gli artisti hanno bisogno di conoscere (sbadigliare) affari, marketing e contabilità? Perché il talento non pagherà le bollette se non puoi vendere e commercializzare in modo efficace il tuo lavoro. Anche il talento da solo non ti farà lavorare se non consegni costantemente ciò che prometti in tempo e se ti comporti in modo non professionale. Comprendere come funzionano gli affari e il marketing ti aiuterà a essere un risolutore di problemi creativi che può portare nuove idee a un progetto invece di disegnare semplicemente belle immagini. E le tasse? Sì, fa parte anche dell'essere un artista che lavora.

Perché gli artisti devono imparare a scrivere? Bene, oltre ad essere necessario per scrivere buone storie che le persone vogliono leggere, le abilità di scrittura sono utili anche quando scrivi lettere di presentazione agli editori, o richiedi sovvenzioni o scrivi il tuo curriculum per candidarti per lavori - non solo lavori di fumetti, ma QUALSIASI lavoro, punto.

Se i tuoi sogni includono pubblicare il tuo lavoro in Giappone, le tue scarse possibilità di successo nella terra madre del manga migliorano leggermente se impari a parlare e leggere il giapponese. Perché? Perché gli editori preferiscono lavorare con i creatori sono facili da lavorare. Chiediti: perché un editore giapponese dovrebbe fare di tutto per lavorare con un artista con il quale non può collaborare di persona o via e-mail, soprattutto quando non mancano i talenti giapponesi? E no, parlare inglese lentamente non lo taglierà. Wakarimas'ka?

Certo, gli artisti di successo spesso insegnano a se stessi queste abilità o le imparano duramente facendo errori. Ma se le scuole d'arte / college pagheranno decine, anzi, centinaia di migliaia di dollari in tasse scolastiche, college, farebbero meglio a insegnare ai loro studenti le abilità di cui avranno bisogno per ottenere un lavoro pagante, così un giorno potranno ripagare quei humungous prestiti studenteschi. Alcune scuole d'arte illuminate offrono già queste lezioni, ma a vari livelli di profondità e utilità. Anche se queste lezioni sono disponibili, spetta ancora agli studenti trovare il tempo per seguire queste lezioni.

Se la tua scuola d'arte non ti insegna queste cose o ti sei perso l'acquisizione di queste abilità lungo la strada … beh, non è troppo tardi per imparare. Ricorda, un artista che è professionale, coerente, ha un buon atteggiamento ed è sempre disposto a imparare in genere ottiene molto più lontano di uno che è talentuoso ma inaffidabile, difensivo e negativo. Sto solo dicendo.

"In America i futuri eroi dello sport ottengono rinforzi positivi da giovani: premi, adulazione, $$$. Come possiamo farlo per i futuri eroi dei fumetti?"

"Da giovane mi è stato detto che i fumetti erano stupidi, per ottenere un vero lavoro, ecc. Solo la stupida stupidità mi ha portato così lontano. Questo dovrebbe cambiare, penso. Le persone nei fumetti americani hanno un atteggiamento disfattista di cazzate. La positività è in realtà contagiosa, stupidi idioti. "

"In Giappone forse tuo padre non vuole che tu sia un manga-ka, ma almeno sai che la gente diventa ricca e famosa al di fuori del manga. Puoi aspirare a questo. Dobbiamo creare condizioni che incoraggino lo sviluppo di giovani vignettisti. Perdiamo così tanti potenziali fumettisti in altri campi:("

- Bryan Lee O'Malley @radiomaru, creatore di Scott Pilgrim (Oni Press)

"Ho conseguito un master di pericolo in libri divertenti e ho dovuto frequentare solo UNA lezione relativa alla scrittura: script. Questo non dovrebbe essere. Sono costantemente sorpreso che le informazioni di base sulla struttura della storia in tre atti, lo sviluppo del personaggio fondamentale non vengano insegnate Di Più."

- Ben Towle (@ben_towle), Creatore di Oyster War

"La gente pensa che il talento sia il modo in cui le persone vengono scoperte, come ti trovano perché sei così straordinario e di talento, ma si tratta davvero di venderti. È una cosa difficile da fare, ma non puoi aspettarti che vengano da te ".

- Heather Skweres (@CandyAppleCat), artista, collezionista di giocattoli e fotografo

4. ARTISTI: ESSERE ISPIRATI DA, MA NON LIMITATI DA MANGA

Ogni artista inizia imitando lo stile dei creatori che ammirano di più. Ma gli artisti che eccellono davvero in questo campo prendono queste ispirazioni, disegnano, disegnano e ne disegnano ancora un po 'finché non emerge il loro stile unico e distinto di disegno e narrazione.

Gli artisti di successo hanno anche uno stile che si basa su solide basi delle basi: anatomia, prospettiva, luce / ombra / colore, narrazione grafica e stimolazione / trama. Se non lo impari a scuola, scegli uno dei tanti fantastici libri come Understanding Comics di Scott McCloud, Drawing Words and Writing Pictures e Mastering Comics, entrambi di Jessica Abel e Matt Madden per seguire un corso intensivo in questi -conoscenze.

Gli artisti aspiranti devono anche dedicare più tempo a disegnare storie, non solo illustrazioni pin-up. Se continui a disegnare solo fan art di Naruto che bacia Sasuke - beh, stai praticamente bloccando la tua crescita come artista. Disegna storie significative per te, che forse derivano dalle tue esperienze personali, non solo una copia di ciò che hai letto nel tuo manga preferito.

Inoltre, espandi i tuoi orizzonti leggendo tutti i tipi di libri e fumetti americani ed europei, indie e tradizionali, non solo manga. Il manga giapponese è fantastico, ma c'è un intero mondo di fumetti là fuori da esplorare e divertirsi. Anche artisti manga come Katsuhiro Otomo (Akira), Jiro Taniguchi (The Walking Man), Osamu Tezuka () e Monkey Punch (Lupin III) sono stati ispirati e influenzati dalla lettura di fumetti europei e americani.

Va bene usare il manga giapponese come punto di partenza, ma non può essere dove rimani per il resto della tua carriera artistica. Per distinguerti davvero e farcela in questo business, devi sapere come disegnare storie e disegnare con uno stile che è veramente tuo; non solo una copia di ciò che viene fatto (e fatto molto meglio) dagli artisti in Giappone.

"Non sono più in Nord America, ma penso che ci siamo stati per un po '. Un sacco di artisti straordinari hanno letto ampiamente e sviluppato stili ibridi forti, unici, di origini manga- sedici. Le cose si sono aperte e sviluppate tempo."

- Sally Jane Thompson (@SallyThompson), creatore e illustratore di fumetti freelance, creatore di From! e collaboratore di 1000 idee di 100 artisti Manga (Rockside Publishers)

5. CREATORI: ESCI DALL'ALTRO DEGLI ARTISTI PIN-UP GHETTO E DISEGNA STORIE DA ACQUISTARE

Disegnare fumetti non è una carriera facile con premi garantiti - in Giappone o Nord America. Anche nei migliori scenari possibili, ci saranno sempre più persone che vogliono disegnare fumetti di quanti ce ne siano di remunerativi.

Sì, è abbastanza difficile convincere un editore a raccogliere una storia a fumetti originale di un artista sconosciuto per la pubblicazione. È anche abbastanza facile per gli aspiranti artisti puntare le dita sugli editori e dire: "Non ci dai una possibilità". Ma parlare come qualcuno che ha letto la sua parte di fumetti mediocri autopubblicati (e mainstream pubblicati), solo perché l'hai disegnato e piace ai tuoi amici, non significa che valga sempre la pena di leggere o acquistare.

Sì, il gusto e lo stile sono soggettivi, ma ci sono alcune basi che spesso mancano molto nel lavoro di molti artisti alle prime armi - cose come personaggi avvincenti e interessanti. Dialogo che non ti fa roteare gli occhi. Storytelling grafico che è ben ritmato e facile da seguire. Trame che non ti lasciano pensare: "Che cosa è appena successo, e davvero mi interessa anche se lo scoprissi?" E il disegno! Oh, il disegno … anatomia difettosa, prospettiva, luce e ombra, espressioni facciali, da dove comincio?

I creatori di fumetti in Giappone, Europa o Nord America possono disegnare in stili diversi, ma quelli di successo costante sanno come eseguire le basi e farlo costantemente bene. Questo è ciò che farà la differenza tra essere un fan in grado di disegnare e un professionista in grado di creare storie avvincenti e che valgono i $ 10- $ 20 che un singolo romanzo grafico va al giorno d'oggi.

Una differenza fondamentale tra il modo in cui alcuni creatori di fumetti giapponesi affinano le loro abilità (e fanno soldi mentre lo fanno) è disegnare fumetti di fan o doujinshi. Disegnando storie basate su personaggi popolari e trame create da altri artisti, gli artisti alle prime armi possono concentrarsi sullo sviluppo delle loro abilità di disegno e narrazione. Beneficiano anche di una base di fan "just-add-water" che sono più propensi ad acquistare fumetti autopubblicati basati su personaggi che già conoscono e amano. Ok, sono spesso sporchi, quindi c'è quell'aspetto della popolarità di doujinshi - ma il risultato finale è che molti artisti alle prime armi hanno la possibilità di creare e migliorare, fare soldi, fare esperienza nella vendita dei loro lavori e farsi conoscere nuovi lettori / fan.

L'equivalente più vicino di questo tipo di "formazione" che deriva dal disegnare fumetti basati su storie popolari sono gli adattamenti di romanzi grafici di romanzi per adulti più venduti, come Twilight, In Odd We Trust e Soulless, pubblicati da Del Rey e Yen Press.

Molti artisti " manga " nordamericani conoscono e ammirano la cultura giapponese del doujinshi, ma scoprono che questo fenomeno è quasi impossibile da ricreare in Occidente. Le leggi statunitensi sul copyright non perdonano la "fan art" a scopo di lucro, ma c'è anche un altro motivo per cui la cultura doujinshi è difficile da importare: alti costi di stampa. Molti creatori di fumetti occidentali cercano di autopubblicare, ma spesso scoprono che il costo di stampa di tirature brevi (200 copie o meno) li costringe a vendere i loro fumetti originali a prezzi molto più alti di quelli che la maggior parte degli acquirenti è disposta a pagare per una storia / personaggi che non avevano mai visto prima da un creatore di cui non avevano mai sentito parlare prima. Cosa c'è di più economico da stampare, più veloce da creare e più facile da vendere? Pin-up art / poster.

So che l'arte pin-up è ciò che vende ai vicoli degli artisti della convention anime e so che i fattori economici rendono impraticabile la creazione / stampa di fumetti autopubblicati, ma è un peccato se l'arte pin-up è dove la maggior parte degli aspiranti creatori finisce per concentrarsi la loro energia creativa. Disegnare pin-up va bene, ma se tutto finisce, allora sei un illustratore, non un narratore grafico.

Da quello che ho osservato ai fumetti, gli artisti " manga " che sembrano davvero migliorare rapidamente, sviluppando il proprio stile, e quindi hanno la migliore possibilità di provarlo in Nord America, sono quelli che hanno lasciato gli anime gli artisti della convention si danno alle spalle per concentrare le loro energie nel disegnare fumetti indie o webcomics.

Sia che tu disegni con forti influenze manga o meno, crea dei buoni fumetti. Creane molte e mettiti alla prova per migliorare con ogni storia che crei. Metti il tuo lavoro là fuori il più possibile. Pubblica la tua arte su siti come Deviant Art o Manga Magazine e chiedi alle persone il loro feedback. Quando ricevi feedback, impara a prendere le critiche costruttive con garbo e gratitudine e a incorporarle nel tuo lavoro. Può essere doloroso, ma se sei seriamente intenzionato a passare da un fan all'altro, questa è un'abilità essenziale che devi padroneggiare, oltre a sapere come disegnare.

Se desideri ricevere feedback dalla madrepatria dei manga, prova la tua fortuna e invia una storia ai concorsi sponsorizzati da editori e organizzazioni culturali giapponesi volti a mettere in luce nuovi talenti al di fuori del Giappone.

Concorso internazionale di fumetti del mattino (MICC), sponsorizzato da Weekly Morning Magazine e Kodansha. Iscrizioni previste per luglio 2013
Concorso internazionale Manga Award - sponsorizzato dal Ministero degli affari esteri del Giappone - iscrizioni previste per giugno 2013
Manga Audition, sponsorizzato dalla rivista Comic Zenon - (le presentazioni devono essere storie senza parole basate su un tema prestabilito)
Shonen Jump Treasure Competition (le iscrizioni devono essere in giapponese) - con scadenza mensile

Yen Press organizza anche una nuova ricerca annuale di talenti, alla ricerca di nuovi artisti emergenti e semi-professionisti. Prima di preparare la voce, controlla cosa ha detto l'editore di Yen Press JuYoun Lee sulle voci passate e i suoi consigli per gli artisti che pensano di presentare storie.

"Devo dire che è interessante che la comunità creativa stia ancora vivendo la conversazione" dovremmo / possiamo / lo chiamiamo manga ? "… È la qualità del materiale che determinerà l'accettazione (o il rifiuto) da parte dei lettori del materiale, manga, mainstream o altro. Alla fine, sono tutti fumetti. Tuttavia, le etichette hanno ancora i loro meriti, anche se forse non per i motivi che tutti presumono. "

- Yen Press (@yenpress), editore di manga giapponesi e graphic novel originali

"Penso che il problema sia che la maggior parte dei nuovi artisti ritiene che l'arte venderà l'intero prodotto e nessuno presta attenzione alla (la) storia. È una cosa di gratificazione rapida: ottieni più elogi per l'arte prima che qualcuno legga. gli artisti, ma non comprerò le loro cose per pietà. Devono solo fare più esperienza ".

- Jonathan Morales (@king_puddin), illustratore freelance

"I creatori e gli editori devono essere sicuri che pubblicheranno BUONI FUMETTI! Se li fai, arriveranno. Naturalmente, non è tutto sugli editori a sistemare le cose. I creatori hanno davvero bisogno di farsi avanti, avere abilità e sapere cosa stanno facendo ".

- Candace Ellis (@bybystarlight), Creatore di Moth Tales

"Avere una recensione del portfolio TokyoPop ha cambiato il modo in cui ho visto i miei fumetti e la mia arte. Ruvidi da ascoltare, ma una svolta nella mia arte."

- Deanna Echanique (@dechanique), Creatore di Kindling e La Macchina Bellica

AGGIORNAMENTO: Evan Liu, ex scrittore della funzione The Gallery di Anime News Network (che ha messo in luce creatori di fumetti emergenti), che ora è il regista di PacSet Tours.

In un post di Tumblr intitolato "La divisione tra OEL Manga e Artist's Alley", Liu solleva alcuni punti positivi su come e perché molti artisti emergenti, professionisti e semi-professionisti espongono e vendono le loro opere d'arte in Alley degli artisti.

"La gente deve smettere di supporre che tutti in Artist's Alley vogliano disegnare manga in modo professionale. Certo, alcune persone FANNO, ma ci sono molti, molti artisti nel vicolo che si accontentano di essere semplicemente dei fantastici illustratori."