Nato nel Regno Unito alla fine degli anni '80, lo shoegaze era un movimento che utilizzava chitarre elettriche incredibilmente rumorose per creare qualcosa che avesse poca connessione con il rock'n'roll tradizionale. Usando una serie di pedali per effetti - ritardo e flangia, principalmente - e abusando di barre tremolo, le chitarre shoegaze hanno eliminato l'attacco del loro strumento; costruendo strati su strati di tono nebuloso e stordente senza nessuna struttura di roccia. Le band sono diventate famose come "shoegazers" per l'abitudine di fissare i pedali degli effetti sul palco; il nome era peggiorativo, ma ben presto divenne un distintivo di orgoglio. Con la musica così buona sotto il banner, puoi capire perché.
Creato nel 1979, un decennio solido prima che il movimento dello shoegaze prendesse piede, i pionieri scozzesi dei sogni pop Cocteau Twins non possono mai essere confusi con il far parte del genere. Ma sono gli ovvi antenati del suo tono. In assenza di un batterista, la band ha esplorato un suono atmosferico costruito sulla voce volubile di Elizabeth Fraser e sulle pareti di chitarra guidata da effetti di Robin Guthrie. Head Over Heels era solo la coppia di loro, e li trovò a colpire un suono sognante, confuso, sciropposo, ultraterreno che sarebbe cresciuto fino a diventare il loro. Qui, gli urla e i sospiri di Fraser e l'approccio dinamico e non rock di Guthrie a una sorta di massimalismo per chitarra ambientale si sono dimostrati estremamente influenti; il vorticoso studio sonico dei Cocteaus che conia un progetto per il futuro degli shoegazers.
Il crollo del classico-pop sfacciato, sporco e sgradevole dell'immortale Psychocandy ha poco in comune con gran parte del suono wafting, etereo, onirico in questa lista. Tranne una cosa fondamentale: la distorsione. Molta distorsione. Jesus and Mary Chain erano studenti del guru del wall-of-sound Phil Spector, ma trascinarono le sue voci doo-wop e i ritmi di R&B attraverso un velo stridente e discordante di rumore infernale. Ha segnato una delle grandi introduzioni di un suono singolare in assoluto: il JAMC è arrivato completamente formato e diverso da chiunque altro. Un successo mostruoso nel Regno Unito, il disco ha indubbiamente ispirato i ranghi crescenti di shoegazers in erba a vedere la chitarra - e, in effetti, qualsiasi strumento - come una fonte di suono più che un semplice produttore di melodie.
A differenza di molti coetanei dei loro shoegaze, che erano band indie che flirtavano semplicemente con un crossover commerciale, l'outfit di Oxford Ride fu una vera e propria storia di successo. Il loro album di debutto è arrivato al numero 11 delle classifiche pop del Regno Unito e, nel 1992, hanno avuto il potere di prendere un epico di otto minuti, "Lasciali tutti dietro", nel conto alla rovescia dei primi 10 singoli. La loro popolarità iniziale non è affatto strana. Anche se Nowhere - la cui copertina è una delle singole immagini più sorprendenti e immediatamente riconoscibili nella storia della musica registrata - ha le sue banche di chitarre rugiadose e momenti di languore sottile e introspettivo, è in gran parte un disco rock diretto, con ganci affilati e nary un borbottò vocale. Un album alternativamente potente e bello, Nowhere è stata una prima affermazione che Ride non avrebbe mai raggiunto.
Dal titolo alla copertina di un gatto accartocciato, l'LP d'esordio per il quintetto di Reading Chapterhouse è un album di suoni circolari: ripetere gli schemi di chitarra trasformando piroette di rumore imbiancato. Con tre chitarre e banchi di pedali per effetti, Chapterhouse ha creato un suono di chitarra che sembrava girare; la loro messa a punto ordinata inviava strimp in circoli eterni di feedback e ritardi finali. La band ha quindi applicato questo suono da capogiro a canzoni pop di quattro minuti, consegnate con i necessari borbottii del genere e incantesimi incomprensibili. Al suo rilascio, Whirlpool trovò un'accoglienza tiepida; la band stessa, dopo tutto, era generalmente diffamata. Ma gli anni sono stati gentili con Chapterhouse: oltre 20 anni, sembra un classico shoegaze vintage.
L'indubbia opera magnum di Shoegaze è Loveless, un LP la cui fama, reputazione mitica e sfera di influenza crescono perennemente. Il secondo disco per My Bloody Valentine è singolare e puzzolente, con le sue enormi nuvole di rumore ultraterreno 'lanugine sull'ago' che creano un suono sia etereo che intimo. Con nessuna nota fuori posto, flirta con perfezione. Tentando di creare un follow-up, l'onorevole MBV Kevin Shields ha bruciato ponti, cellule cerebrali e centinaia di migliaia di sterline; che tutto ciò ha dimostrato invano di aiutare la leggenda di Loveless senza fine. Al punto in cui è strano vedere Loveless incastonato in un semplice elenco di record per i migliori shoegazer. Il suo solito posto è, invece, meritatamente in cima al conto alla rovescia dei più grandi album mai realizzati.
Su "Hair Shoes", una melodia che identifica il mal di cuore con la malattia, Ian Masters prende un'apparente eternità per estirpare le parole "se solo avessi la forza / provare / nascondere", mentre fa la doccia in squilli di chitarra svolazzante e luccicante, mentre i piatti schizzano e si sbiadiscono come maree gonfie. È un momento particolarmente shoegaze in un album particolarmente shoegaze. Il secondo disco per la band nata a Leeds è stato il loro primo da quando ha adottato il cantante dei Lush Meriel Barham nell'ovile, e attraverso le sue dolci canzoni lei e Masters svenono e cantano attraverso le nebbie bacianti della chitarra di Graeme Naysmith, che viene trattata con una serie di effetti di rumore bianco di cotone, nuvoloso, nebbioso. È un disco brillante e bellissimo che, a ben vedere, sembra stranamente sottovalutato.
Lush era un vestito londinese costruito attorno alle chitarre ruminanti e rugiadose e alle voci angeliche duellanti di Emma Anderson e Miki Berenyi. La coppia non era neppure un wallflowers shoegaze; posseduto da pop intelligenti e pure pipe, hanno consegnato un disco di debutto di inebriante bellezza da capogiro. Prodotto da Robin Guthrie, il debito con Cocteau Twins è stato enorme, ma non ha intaccato la qualità di Spooky one iota. Con il loro terzo album, i Lovelife del 1996, i Lush si erano purtroppo trasformati in una band sfacciata, eccentrica, dai toni retrò, che, a ben vedere, appannò un po 'di lucentezza il loro primo longplayer. Ma ascoltare Spooky, anni dopo, suona come viaggiare indietro nel tempo, nel cuore della rivoluzione dello shoegaze.
Chiunque conosca The Verve solo come quei power-balladeer corporativi dietro "Bittersweet Symphony" - o, in effetti, ha sentito l'orrore di Richard Ashcroft e delle Nazioni Unite del suono - può non essere a conoscenza del fatto che l'outfit di Wigan abbia avuto credibili inizi. Conosciuto semplicemente, all'inizio, come Verve (prima che le minacce legali dell'etichetta jazz richiedessero un "The"), il quintetto suonava una psichedelia rallentata e distanziata, costruita su strati di chitarra argentata. Si avvicina al vangelo narcotico di Spiritualized rispetto al bluster rumore bianco di My Bloody Valentine, ma c'è uno spirito da shoegazer nelle loro marmellate estese. Il "Feel" più vicino di 11 minuti, in particolare, si insinua in un miasma di effetti slavati accumulati fino a massimi lisergici. Qui, le droghe funzionano.
All'inizio Shoegaze era una cosa strettamente regionale: in gran parte band provenienti dalle città della valle del Tamigi. Ma la sua influenza si diffuse rapidamente, e dal debutto di Lilys nel 1992 In the Presence of Nothing, il genere ebbe il suo primo degno capitolo americano. Sebbene ovviamente impregnato degli stili sonori di Kevin Shields e dell'equipaggio, il vestito in continua evoluzione di Kurt Heasley non era un semplice knock-off. Qui, Lilys recita in una sorta di indie-pop trasandato, informato dalla psichedelia drogata degli anni '60, eppure colpito dagli effetti di rumore bianco dello shoegaze. "Elizabeth Color Wheel" suona come un languido tintinnio di sette minuti, ad esempio con una levigatrice a nastro. Anche se abbastanza oscuro ai suoi tempi, l'LP è senza dubbio un punto di riferimento minore e ha richiesto l'ascolto di qualsiasi shoegaze ossessivo.
Un gruppo di timidi adolescenti di Reading, Slowdive, era un sacco da boxe critico nel Regno Unito. Dapprima furono punzonati per taggare le coattails di shoegaze, poi deridono quando la famigerata stampa musicale britannica inscenò il suo prevedibile contraccolpo di shoegaze, poi derisero quando la loro scomparsa del 1995 segnò il sussulto finale del genere. Tuttavia, la storia è stata molto gentile con la musica oceanica intensamente bella, sconfinata, di Slowdive. E il loro secondo disco,
Souvlaki, è stato annunciato come il loro capolavoro. Vantando una coppia di collaborazioni con Brian Eno e un suono intensamente cinematografico, si immergono in una sorta di mondo di sogni stravagante e accattivante che minaccia di inghiottire l'ascoltatore. A distanza di due decenni, ti chiedi come mai qualcuno l'abbia mai sentito qualcosa di meno che maestoso.
