Che tu sia un pittore astratto o rappresentativo, la pittura è tutta incentrata sulla luce. Non vediamo nulla senza luce, e nel mondo reale la luce è ciò che dà alle cose la loro forma, forma, valore, consistenza e colore visibili.

Il modo in cui un artista usa la luce e trasmette la luce dice molto su ciò che è importante per l'artista e rivela chi è come artista. Robert O'Hara, nella prefazione al suo libro su Robert Motherwell, disse:

Leggi Sfumato, Chiaroscuro e Tenebrismo

Giorgio Morandi

Giorgio Morandi (1890-1964) fu uno dei più grandi pittori e maestri italiani moderni del genere delle nature morte. I suoi soggetti di natura morta erano bottiglie, brocche e scatole irrilevanti ogni giorno che avrebbe reso ancora meno specifico rimuovendo le etichette e dipingendole in un colore neutro opaco opaco. Avrebbe usato queste forme per sistemare i suoi arrangiamenti di nature morte in modi non convenzionali: spesso in linea attraverso il centro della tela, o raggruppati al centro, alcuni oggetti che si "baciano" l'un l'altro, quasi si toccano, a volte si sovrappongono, a volte no.

Le sue composizioni sono molto simili ai grappoli di edifici medievali nella città di Bologna, dove ha trascorso tutta la sua vita, e la luce è molto simile alla pervasiva luce italiana che bagna la città. Poiché Morandi ha lavorato e dipinto lentamente e metodicamente, la luce nei suoi quadri è diffusa, come se il tempo passasse lentamente e delicatamente. Guardare un dipinto di Morandi è come sedersi sotto il portico in un nebbioso pomeriggio estivo mentre il crepuscolo si sta assestando, godendosi il suono dei grilli.

Nel 1955, John Berger scrisse di Morandi che "I suoi quadri hanno la conseguenza delle note a margine ma incarnano la vera osservazione. La luce non convince mai se non ha spazio da riempire: i soggetti di Morandi esistono nello spazio". Ha continuato, dicendo che c'è una "contemplazione che sta dietro di loro: una contemplazione così esclusiva e silenziosa che si è convinti che nient'altro che la cara luce di Morandi potrebbe cadere sul tavolo o sullo scaffale, nemmeno un altro granello di polvere" (2).)

Guarda Morandi: Master of Modern Still Life, The Phillips Collection (21 febbraio-24 maggio 2009

Henri Matisse

Henri Matisse (1869-1954) era un artista francese noto per il suo uso del colore e del disegno. Il suo lavoro è spesso identificabile dal suo uso di colori vivaci e arabeschi, motivi decorativi curvilinei. All'inizio della sua carriera è stato uno dei leader del movimento fauvista. Fauve in francese significa "bestia selvaggia", che gli artisti erano così chiamati per il loro uso di vivaci colori espressionisti selvaggi.

Matisse continuò a usare colori brillanti e saturi anche dopo il declino del movimento fauvista nel 1906, e si sforzò di creare opere di serenità, gioia e luce. Disse: "Quello che sogno è un'arte di equilibrio, di purezza e serenità priva di argomenti inquietanti o deprimenti - un'influenza calmante e calmante sulla mente, piuttosto come una buona poltrona che fornisce il rilassamento dall'affaticamento fisico." esprimere quella gioia e serenità per Matisse era generare luce. Nelle sue parole: "Un'immagine deve possedere un potere reale per generare luce e da molto tempo sono consapevole di esprimermi attraverso la luce o piuttosto nella luce". (3)

Matisse ha espresso la luce attraverso un brillante colore saturo e un contrasto simultaneo, giustapponendo colori complementari (uno di fronte all'altro sulla ruota dei colori) per creare una vibrazione e un maggiore effetto l'uno contro l'altro. Ad esempio nel dipinto Open Window, Collioure, 1905 ci sono alberi arancioni su barche blu e una cornice di porta rossa brillante contro una parete verde su un lato, con il verde riflesso nella finestra della porta dall'altro lato. I piccoli granelli di tela non verniciata lasciati tra i colori creano anche un senso di ariosità e una brillante qualità della luce.

Matisse ha migliorato l'effetto della luce in Open Window usando rossi, blu e verdi, che sono i colori primari additivi (riferendosi alla luce anziché al pigmento) - le lunghezze d'onda di rosso-arancio, blu-viola e verde che si combinano per rendere bianco luce. (4)

Matisse era sempre alla ricerca della luce, sia esterna che interna. In un catalogo per una mostra di opere Matisse al Metropolitan Museum of Art, l'autorità Matisse Pierre Schneider di Parigi ha spiegato: "Matisse non ha viaggiato per vedere luoghi, ma per vedere la luce, per ripristinare attraverso un cambiamento della sua qualità, la freschezza ho perso." Schneider disse anche: `` Durante le varie fasi della carriera, ciò che il pittore chiamava "luce interiore, luce mentale o morale" e "luce naturale, quella che viene dall'esterno, dal cielo", ha dominato a sua volta… Aggiunge (citando le parole di Matisse), "È solo dopo aver goduto a lungo della luce del sole che ho cercato di esprimermi attraverso la luce dello spirito." "(5)

Matisse pensava a se stesso come una specie di buddista e l'espressione di luce e serenità era della massima importanza per lui, per la sua arte e per il suo spirito. Disse: “Non so se credo in Dio o no. Penso davvero di essere una specie di buddista. Ma la cosa essenziale è mettersi in uno stato d'animo che è vicino a quello della preghiera. " Ha anche detto:" Una foto deve possedere un potere reale per generare luce e per molto tempo sono stato consapevole di esprimere me stesso attraverso la luce o meglio alla luce. " (6)

Mark Rothko

Mark Rothko (1903-1970) era un pittore espressionista astratto americano noto principalmente per i suoi dipinti di campi luminosi e luminosi di colore ininterrotto. Molte delle sue opere su larga scala hanno una luce radiante che invita alla contemplazione e alla meditazione e trasmette un senso spirituale e trascendente.

Lo stesso Rothko ha parlato del significato spirituale dei suoi dipinti. Ha detto: "Sono interessato solo ad esprimere le emozioni umane di base - tragedia, estasi, sventura e così via - e il fatto che molte persone si rompano e piangano prima che le mie immagini dimostrino che comunico con quelle emozioni umane di base. le persone che piangono prima delle mie foto stanno vivendo la stessa esperienza religiosa che ho avuto quando le ho dipinte. "(7)

I grandi rettangoli, a volte due, a volte tre, sono di colori complementari o adiacenti, come Ocra e Rosso su rosso, 1954, dipinti con pennellate veloci in sottili strati di smalti in olio o acrilico, con bordi morbidi che sembrano galleggiare o passa con il mouse sopra gli strati di colore sottostanti. C'è una luminosità nei dipinti che deriva dall'uso di colori di valore simile in diverse saturazioni.

I dipinti di Rothko sono talvolta letti come architettura, con la luce che invita lo spettatore nello spazio. In effetti, Rothko voleva che gli spettatori si avvicinassero ai dipinti per sentirne una parte e sperimentarli in modo viscerale per provare un senso di timore reverenziale. Rimuovendo le figure che esistevano nei suoi dipinti precedenti, riuscì a creare dipinti di astrazione senza tempo che divennero più la luce, lo spazio e il sublime.

Vedi Mark Rothko: National Gallery of Art Slideshow

Leggi il dipinto venduto per 46, 5 milioni di dollari all'asta di New York Sotheby's

La luce è la pittura. In che modo vuoi che la luce nei tuoi dipinti rappresenti la tua visione artistica?

Guarda la luce e ammira la sua bellezza. Chiudi gli occhi e poi guarda di nuovo: ciò che hai visto non è più lì; e quello che vedrai dopo non lo è ancora. -Leonardo Da Vinci

_______________________________

RIFERIMENTI

1. O'Hara, Robert, Robert Motherwell, con selezioni dagli scritti dell'artista, The Museum of Modern Art, New York, 1965, p. 18.

2. The Editors of Art News, The Metaphysician of Bologna: John Berger su Giorgio Morandi, nel 1955, http://www.artnews.com/2015/11/06/the-metaphysician-of-bologna-john-berger- on-giorgio-morandi-in-1955 /, pubblicato l'11 / 06/15, alle 11:30.

3. Citazioni di Henri Matisse, http://www.henrimatisse.org/henri-matisse-quotes.jsp, 2011

4. National Gallery of Art, The Fauves, Henri Matisse, 5. Dabrowski, Magdalena, Cronologia della storia dell'arte di Heilbrunn, The Metropolitan Museum of Art, 6. Citazioni di Henri Matisse, http://www.henrimatisse.org/henri-matisse-quotes.jsp, 2011

7. Carnegie Museum of Art, Yellow and Blue (Yellow, Blue on Orange) Mark Rothko (American, 1903-1970),